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In Korea during the 1970’s, an innovative stylistic movement in contemporary art was manifested among the young artist’s of a post-war generation. While their society’s culture was being dictated by an oppressive ruling regime as it had been for centuries, several young artists began an experimental feat to expand the boundaries of expression. In a time where even their thoughts and moralities were ruled by an iron fist, these artists dared to exploit social and political realities through alternative mediums and styles. Among this new generation of artists was Lee, Kang-So.

Like many Korean artists from this era, Lee, Kang-So was influenced by European and North American schools; specifically Impressionism, Abstract Expressionism, Minimalism and Conceptualism. In addition to his Pop Art prints, Lee produced large scale conceptual installations, for example, Untitled 75031 exhibited at the Paris Biennale in 1975. This was a conceptual project consisting of a live rooster tied to a stake and encompassed by a white chalk circle. Such works were less well received by Korean art critics and enthusiasts, much like how the French Impressionists were shunned just 50 years earlier. Lee understood that it was one goal to master foreign technique, but more important to create an identity for Korean contemporary art. To synthesize the East and West, Lee returned to painting, the most well respected art form in Asia, and continued to delve into the depths of conceptualism.

 

Inspired by contemporary movements while honoring tradition without appearing too conservative, Lee Kang So began a series of monochromatic, abstract seascapes while diluting oils and acrylics to emulate ancient Oriental ink painting. Lee’s intent was to pay homage to naturalism. Naturalism in Asian art differs from the Western definition in that it refers to nature and not realism. Motifs of ducks, boats, and deer donned his canvases and soon individualized his style. With an impasto method, Lee “built” his seascapes with layers of calligraphic and painterly brushstrokes. The context is far from obvious, purposely forcing the viewer to ponder its complexity. A monochromatic palette further induced intrigue.

 

Scholars believed color restricted the imagination. Monochromatic tones have always been a distinctive characteristic of Asian paintings and in the 1970’s it took a whole new direction. Vigorous, rhythmic brushstrokes on a gray, blue, or black and white scale were intended to ease the viewer into a meditative state. It is believed that eliminating “distractions” from color and contour induces a sense of reflection.

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표 갤러리 LA에서는 오리를 소재로 한 작품으로 널리 알려져 있는 작가 이강소의 개인전을 개최한다. 작가 이강소는 한국화단이 회화의 한계를 느끼고 있던 1970년 초반 무렵부터 새로운 예술 형식을 끊임없이 실험하고 모색해나가며 자신만의 독창적인 브랜드를 구축해 온 작가이다. 작가는 서울 대학교 미술대학을 졸업하였고 국립 경성 대학교와 뉴욕 주립 대학교 객원 교수를 거쳐 뉴욕현대미술관의 국제 스튜디오 프로그램에도 참여 한 바 있다. 이 번 전시는 작가가 뉴욕에서 선보였던 것에 이어 로스엔젤레스 지역에서는 처음으로 소개되며, 보다 널리 국제적으로 작품을 소개하는 데에 의미가 있다.

 

작가는 1970년 초반, 한국화단이 회화의 한계를 느끼고 있을 때부터 실험적인 작업을 활발히 벌여온 작가이다. 이강소의 작업은 회화뿐만 아니라 판화, 설치, 퍼포먼스, 조각, 사진, 비디오 등 다방면에 걸쳐 있는데, 그가 40 여 년간 다양한 매체 편력에 드러난 작품 세계는 작가의 회화 세계에 고스란히 녹아 있다. 작가는 동양의 전통적 사상과 표현 기법을 기반으로 다양한 현대적 조형 실험을 통해 작가의 내적 심상을 작가 특유의 서정성으로 그려내고 있다.

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이번 전시에는 작가의 최근 회화 작품 20여 점과 조각 1점이 소개된다. 작가의 회화에 자의적인 요소는 존재하지 않으며, 최소한의 절제된 표현을 사용하여 있은 듯하면서도 없는 공간의 표현이 그의 작품의 특징이라 할 수 있다. 작가의 작품에는 명상적 에너지와 투명한 음악적 리듬감이 흐르며, 자연의 섭리대로 살아가는 순수하고 소박한 인간의 원초적 심성이 깃들어 있다. 이 번 전시에 선보이는 작가의 최근 작에서 붓질은 더욱 과감하고 간결하며, 풍경은 더욱 암시적이다. 화면의 여백은 깊이를 알 수 없는 바다의 수면이 되고, 춤을 추듯 일필휘지로 그어진 획들은 자유롭고 분방한 기운이 충만하다. 이들은 때로 거친 파도가 되기도 하고 먹구름이 되기도 하며, 바람 소리를 시각적으로 드러내는 역할을 하기도 한다. 생동감이 넘치는 그 사이를 관조하며 떠다니는 오리는 인위적인 것과 속박으로부터 벗어나 자유의 비상을 갈망하는 자아의 모습을 상징하며, 화면 전체에 평화롭고 시적 정감을 부여하는 매개체의 역할을 한다. 이 번 전시에서 관객들은 자연에 근거한 전통적 아시아 미술의 특성을 현재적 미감으로 승화 하는 작가의 작품 철학을 공유할 수 있는 좋은 기회가 될 것이다.